Giacomo costa | timescape

Sala mostre “R. Falchi” Palazzo del Parco – Corso Garibaldi, 60, Diano Marina (IM) – a cura di Civiero Art Gallery – dicembre 2015

Landscape 1_7_7 – C-print under plexiglass – 35 x 50 cm. – 2013

Il mondo (non?) è io

In qualsiasi cosa che l’uomo fa, sussiste un elemento di rischio, giusto? Per questo abbiamo la cosiddetta “difesa a tutti i livelli”. E cioè: un apparecchio di rispetto per ogni apparecchio di rispetto di ogni apparecchio operante. Lei era là e ha visto quello che è successo. Non c’è stata nessuna fuga di radiazioni. E sa perché? Il sistema funziona. Anche con un relè difettoso, anche con una valvola bloccata, il sistema funziona. Non c’è stato nessun incidente

Così Jack Lemmon in Sindrome cinese, film cult di James Bridges sui pericoli del nucleare. La storia è nota: durante un servizio televisivo in una centrale termonuclerare la troupe capitanata da Jane Fonda e Michael Douglas assiste a un incidente al sistema di raffreddamento del nocciolo e filma segretamente i disperati tentativi del direttore della sala di controllo Jack Lemmon per riportare la situazione alla normalità, a un soffio dalla sindrome cinese. Visionato da un ingegnere, il girato rivela i potenziali esiti catastrofici dell’”incidente”:

Se il nocciolo è scoperto, l’uranio si riscalda oltre i limiti di tolleranza in pochissimi minuti e niente riesce a fermarlo. E fonde attraverso la base della centrale, in teoria arrivando fino alla Cina. Ma naturalmente appena incontra una falda d’acqua sotterranea esplode nell’atmosfera creando nuvole radioattive. Il numero di persone uccise dipenderebbe dalla direzione del vento, rendendo un’area grande come la Pennsylvania permanentemente inabitabile. Per non parlare dei casi di cancro che si avrebbero in seguito

James Bridges non fu profeta di sventure: la storia, anche recente, ha dimostrato come il mondo sia stato scenario di disastri ambientali, si pensi a Chernobyl e al più recente disastro di Fukushima, per non parlare delle “rivolte” della Natura che i più indicano come conseguenze dell’insano sviluppo tecnologico (ma la Natura è per essenza matrigna: senza scomodare tempeste e tifoni, chi se la sente di magnificare la “volontà di potenza” delle cellule tumorali che si moltiplicano?).

Ground 1 – C-print su dibond – 75 x 100 cm. – 2013

Quel che ci serve è in realtà solo un monito, liberamente interpretabile nella sua nuda chiarezza.

Ed è ciò che fa, per altre vie rispetto a quelle del linguaggio verbale, l’opera di Giacomo Costa, documentata in questa mostra come una sorta di “cronistoria” che, dai lavori del 2008 e del 2009, in cui le architetture della tecnica e le volumetrie naturali quasi si compenetrano, arriva agli esiti più recenti (2015), dove la Natura giganteggia sulle costruzioni umane, passando attraverso quella produzione artistica contrassegnata invece dai paesaggi “aerei” (2013).

Il suo lavoro d’arte è indubbiamente calato nella supercontemporaneità e agisce (anche) come un vero e proprio monito: i riferimenti, critici e teorici, a scenari apocalittici alla Blade Runner si sprecano e naturalmente vi è molto di vero in queste interpretazioni, anche se non credo che la sua visionarietà si esaurisca qui – e nel piacere retinico, che pure è di importanza fondamentale.

Vi è, alla base delle sue visioni, come un “metatesto”, un rimando in senso stretto culturale, un po’ come in quelle di Hieronymus Bosch. E non credo che il riferimento illustre a un pittore, di un’altra epoca storica per di più, possa suonare balzano. Credo anzi che nelle fantasie di Costa siano presenti accenti di pittoricità al punto che potremmo confrontarle con quei capricci che nella pittura del Settecento ricontestualizzavano rovine e architetture familiari all’interno di scenari del tutto fantastici. I risultati erano spesso sorprendenti e sortivano come effetto quella sensazione di spaesamento che, nelle rovine di Costa, mette insieme piacere e tensione (del resto, la diade amore/morte non è un invincibile topos letterario e non solo?).

Un basso continuo risuona costantemente nelle sue opere ed è l’assenza di esseri umani: la suggestione apocalittica di strutture architettoniche invase da concrezioni serpentine costituite da immaginifici elementi arborei denota l’apparente irrealtà di un’ucronia, il cui proprietario assente, l’uomo appunto, è simbolizzato proprio da quelle stesse architetture. La produzione artistica di Giacomo Costa è l’espressione controfattuale di uno stato di cose, esprime cioè la fattezze di uno scenario possibile, degradato, desolato, scorticato dal progresso della tecnica: non per nulla le muraglie e i tubi e gli edifici sono un po’ il famoso monolite extratemporale di Odissea nello spazio che, in una non dissimile “cornice” visuale di scorribande lungo la storia del tempo, nel preciso istante in cui l’antenato scimmiesco dell’uomo scopriva come usare gli oggetti naturali in maniera funzionale, simbolizzava il dispiegarsi della techne umana nella ratio.

Secret Garden 10 – C-print su dibond – 60 x 120 cm. – 2008

Le serie Garden e Secret Garden e singole opere come Aqua 5 e Veduta 8 esprimono ciò nel massimo desolato splendore di scenari controfattuali privi d’umanità, della quale tuttavia sono lo specchio: qui l’uomo sta come il proprietario assente dello scenario apocalittico, su cui sopravviene la Natura che preconizza la sua stessa nemesi, quasi invadendo, con spire silvane, i complessi di cemento. Un incipit di rivalsa, che si realizza negli alberi incommensurabili, totalmente fuori scala e svettanti sugli agglomerati termonucleari e sulle metropoli incompossibili delle serie Plant. In un caso (Plant 11), dominando le volumetrie come in un abbraccio tentacolare, mentre sullo sfondo si sviluppa una composizione lunare di montagne e cieli metafisici. In un altro (Plant 10), dominando palazzi sommersi in una dimensione acquorea con enormi ramificazioni di verde nella parte superiore dei “giganti arborei”. Rendendo con ciò stesso un tributo a un’impresa ecologica realmente avvenuta: il miracle pine, unico superstite della foresta di Fukushima distrutta dallo Tsunami del 2001 ma poi sopraffatto dagli eventi, che i giapponesi hanno riportato in vita riassemblandolo con un esoscheletro in carbonio e reimpiantandolo in una gabbia alta 27 metri.

Uno “svettare” che ritroviamo in Ground 1, interpretabile come scenario condizionale ex post del reale e tragico Ground Zero dell’11 settembre: con la differenza che, dalla voragine, dall’orrido, dal “buco” di quella che, facendo il verso a André Malraux, non è più la condition humaine ma la condizione postatomica, si innalza qui un terrapieno smisurato e “fantascientifico” popolato di alberi e che, per ritornare a reminiscenze cinematografiche, ricorda quella specie di “montagna” su cui Richard Dreyfuss impazziva in Incontri ravvicinati del terzo tipo.

Il mondo visto dallo spazio. Dall’alto. Perché le visioni di Costa sono spesso aeree, sub specie aeternitatis o dal punto di vista di Dio, come vi pare. Reperti iconografici vessilliferi di un messaggio “per lo spazio”, segnico e verbale come in Tracce 11, dove su un rosso lago di nebbia circondato da una foresta di piante-schegge e sormontato da un cielo su cui le nuvole sembrano sviluppare il dinamismo della lontananza, la dislocazione di lettere-menhir forma una frase, un lascito, desunto dal patrimonio filosofico dell’umanità e consegnato al tempo a venire, come ha fatto la NASA nel 2008 con la canzone Across the Universe dei Beatles, “sparata” via radio a 431 anni luce di distanza dalla Terra.

Ho parlato, en passant, di un effetto sortito dalle visioni di Costa, il dinamismo della lontananza. Credo che tale suggestione (e mi riferisco unicamente alla sensazione che possiamo provare noi, fruitori/osservatori delle sue visioni) si radicalizzi soprattutto nelle serie dei paesaggi (Landscape), dominati da una limpidezza “atmosferica”, data dalle progressioni cromatiche e dai campi della composizione, che denota (anche, per lo meno) un “affinamento”: se poniamo a confronto un’opera come Secret Garden 2 con una della serie Landscape, vediamo infatti come Costa abbia tradotto il detto less is more sgombrando il campo dalle infrastrutture e dagli elementi arborei che altrove dominano il territorio e che qui invece cedono il passo a una composizione “aerea”, o a “volo d’uccello”, di distese laviche sormontate da cieli limpidissimi e freddi come acciaio, attraversati da nubi e turbini che improntano il paesaggio a una forte “vaporosità” e a un’”atmosfericità” rarefatta, pulitissima.

Qui, per usare un’espressione solitamente impiegata in contesti sociali, domina un silenzio assordante, spaziale, ancor più intenso che altrove (Secret Garden, Traces, Garden, Plant, dove si avvertono le vibrazioni dell’umano nonostante la sua presenza/assenza, perché edifici e muraglie e strutture tubolari denotano il loro proprietario assente): qui l’umano è totalmente estruso dallo scenario e domina un mondo che non ha più bisogno di lui -se mai ne ha avuto bisogno.

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