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Salvo Lazzara, Pensiero nomade-"Materia e Memoria

Creato il 21 giugno 2011 da Athos Enrile @AthosEnrile1


“Penso alla vita come un flusso continuo di esperienze, un passaggio di eventi, un rituale quotidiano della memoria.
Forse la musica è il modo migliore, proprio come una poesia, di fermare il tempo e afferrare il senso della vita in costante cambiamento e mutevolezza”.

Ho trovato questa frase sul CD di Salvo Lazzara e il Pensiero nomade, “Materia e Memoria”, e con questa affermazione/speranza, l’introduzione all’album potrebbe già essere completa, senza l’aggiunta di un mio commento. Se da un lato è la vita stessa a fornire le occasioni e gli stimoli per rappresentarla attraverso le forme di arte più disparate, trasformare gli attimi quotidiani in poesie, pitture, sculture e musica, significa rendere quei momenti vivi per sempre. E se tutto questo può apparire retorica basterà rileggere, ad esempio, una “storia” rovesciata sulla carta anni prima, e improvvisamente diventeranno “fresche” e di giornata, le motivazioni (gioiose o dolorose) che avevano condotto a quella creazione. E magari salteranno al naso gli odori di chi in quel momento lontano stava cucinando accanto a noi.

Per realizzare certi momenti catartici non occorre essere estremamente talentuosi, ma è sufficiente avere sensibilità e bisogno di attimi in cui fermare il mondo e riflettere.

Se poi il talento esiste tanto meglio, e in questo caso un musicista come Salvo Lazzara lo si può inserire nella casella dei “fortunati per volere divino”. Non è il suo know how che me lo fa considerare speciale, ne la sua tecnica sullo strumento, ma è piuttosto l’impressione che d’istinto mi arriva dopo lo scambio di battute tra di noi, unitamente all’ascolto dell’album, è cioè quella sensazione che lui sia arrivato ad un concetto di vita/musica di livello superiore.

Nella mia prima domanda propongo a Salvo un quesito su cui cado spesso nelle mie disquisizioni, relativo al creare per se, per gli altri, per se e per gli altri…

Concordo sul fatto che “ non ci sia nessuno che suoni o componga senza pensare a se stesso, e al benessere che farlo gli da…”, ma sono altresì convinto che subentrino successivamente alcuni aspetti, più o meno positivi: la voglia di condivisione e un po’ di narcisismo. Tutto questo, unitamente al fatto che molti vivono di musica, e quindi avere visibilità diventa imperativo.

La musica di Lazzara sembra invece assolutamente pura, incontaminata nello spirito e negli ideali, libera e liberatoria, al completo servizio di chi ha bisogno di non pensare per un attimo o di chi invece, nello stesso attimo, vuole ricercare se stesso.

“ Materia e Memoria” è un album strumentale, sicuramente non alla portata di tutti.

Le atmosfere sognanti si uniscono alla sperimentazione, nella ricerca di portare sempre un po’ più in la l’evoluzione del proprio strumento.

La comunicazione cammina attraverso la completezza di suoni e di situazioni e non si può scindere la musica dalla cover del CD e dai titoli dei dodici brani, titoli che uniti tra loro forniscono la base per un racconto concettuale.

Come scrivevo poc’anzi, una musica non per tutti, ma per esseri sensibili e virtuosi, che nel mondo non rappresentano una minoranza, ma è forse cospicua la parte che ha dimenticato, e che ha bisogno di uno stimolo per diventare parte attiva e reagire.

Questo “Materia e Memoria” può rappresentare un ottimo “risveglio”.

Line up:

Salvo Lazzara: chitarre, bassi, oud, loop and samples.

Alessandro Toniolo: flute.

Davide Guidoni: drums, percussions, samples.

Fabio Anile: piano, keyboards, percussioni, samples.

Luca Pietropaoli: trumpet, flugelhorn.

Info:

http://www.myspace.com/pensieronomade

http://www.materiamemoria.blogspot.com



INTERVISTA

La maggior parte dei musicisti che intervisto sottolineano che, prima di tutto, si suona per se stessi. Nondimeno, “venire allo scoperto”, presentare il proprio credo musicale al mondo, significa provare a migliorare attimi di vita di sconosciuti regalando qualcosa di estremamente intimo, qualunque sia la musica che si propone. Qual è la tua personale linea di confine tra la soddisfazione del creare tra quattro mura e la gratificazione di “vedersi utilizzato” per ottenere un momento di serenità?

Posso dirti in prima battuta che, dal mio punto di vista, si suona perché succede che la musica ti cerchi. Provo a spiegarmi: io non so mai perché mi accade che una melodia o un passaggio armonico entrino in testa, e questo può anche significare che il primo atto creativo sia del tutto inconsapevole. Poi però, immediatamente dopo, comincia una fase di sperimentazione e di ricerca e proprio in quel momento ti potresti anche chiedere perché e per chi stai componendo, ma le risposte possono essere tante. Credo che non ci sia nessuno che suoni o componga senza pensare a se stesso, e al benessere che farlo gli da. Personalmente, penso poi che chi ascolta le mie cose abbia tutto il diritto di interpretarne il senso come vuole, e quindi fare della mia musica quello che meglio crede, dal sottofondo per altre attività ad un momento dibenessere o di consolazione, ma anche al supporto per il proprio momento creativo. Sapere che il passaggio della mia musica nella vita degli altri non è indifferente, questo si che mi da soddisfazione!

” Materia e Memoria ”, propone già nel titolo elementi di larga riflessione. Il vostro è un album strumentale e attraverso la “sola” musica comunicate il vostro verbo. Cosa pensi, in generale,dell’utilizzo delle liriche? Se immagini una voce all’interno di un tuo progetto, vedi anch’essa come strumento?

C’è stato un momento in cui ho deciso che, almeno per me, sarebbe stato meglio concentrarmi sulla musica, senza dovermi preoccupare anche di una componente narrativa più esplicita, collegata al testo. Diciamo che preferisco utilizzare le voci degli strumenti e, se mai fare ricerca su questi. Se mi chiedi però che tipo di voce potrei desiderare per la mia musica, risponderei che mi piacerebbe una voce, come tu stesso hai detto, strumento di per sé, come era quella di Demetrio Stratos, o come potrebbe essere quella di Meredith Monk, di Bjork, di Diamanda Galas.

Ho letto come al momento non esista fase live per “Pensiero Nomade”. Al di là delle difficoltà attuali, ripensando al passato, cosa ti da il contatto diretto col pubblico? Cerchi e riesci ad ottenere interazione?

Vengo da una storia di gruppi musicali, prima nella new wave e poi nel progressive, dove la componente live era ricercata come momento in cui si fa sentire al pubblico cosa si sa fare, come fenomeno di narcisismo, fondamentalmente; è un aspetto che non mi entusiasma più. Oggi mi piacerebbe ritrovarmi in situazioni in cui la mia musica non fosse l’unica fonte di spettacolo, e dove il pubblico non fosse lì per me, ma lì con me, a vivere un’esperienza che arricchisca entrambi. Difficile immaginare cose di questo tipo in una situazione di concerto canonica; diciamo che sono attirato da un’idea di performance musicale come componente di un’esperienza estetica e sensoriale più ricca. Chissà se esiste!

Mi ha colpito una tua frase, apparentemente “secondaria”, dove dici“ … nessuno di noi vive di musica…”, che probabilmente doveva finire con “… purtroppo…”. Ma cosa bisogna fare, di questi tempi, per campare suonando?

Francamente non lo so. Conosco molti validi musicisti che vivono “nella musica”, ma non necessariamente nella loro. Oggi credo che il problema non stia tanto nell’interpretare un ruolo o un mestiere di musicista, fatto per il quale basta avere un po’ di dignità, da accompagnare alla perizia tecnica, al buon gusto e a un bravo agente. In questo senso è possibile vivere suonando, e tanti ci riescono benissimo, nel rock come nel jazz o in altri generi compresi i più “indie”. Il fatto è che questo non significa necessariamente essere immerso in una dimensione musicale appagante. Estremizzo, ma credo che alla fine devi sempre chiederti qual è la reale differenza fra te e un onesto pianista da piano bar; se la trovi sei a buon punto!

Esco un attimo dal discorso specifico, utilizzando le tue conoscenze filosofiche e agganciandomi alla domanda precedente. Il mio avanzato stato cronologico mi fa credere di possedere qualche saggezza. Il mio punto di arrivo, se penso alla definizione di felicità e se mi guardo indietro, risiede nella possibilità di far coincidere il proprio lavoro con la propria passione, fatto difficilissimo da realizzare. Quanto è grande la frustrazione di chi sa trasformare le idee in musica, ma ad essa è costretto a dedicare un minima parte del tempo che vorrebbe?

Non parlerei di frustrazione, anche perché non credo, personalmente, ad un’idea di musicista del tipo: scrivo brani, li provo, faccio il disco e vado in tour. Diciamo che con me non funziona così. Non sono, musicalmente parlando, un bulimico. Certo, alla musica dedico scampoli di giornate, oppure alcuni giorni in un mese,ma diventacomunque appagante, perché c’è grande concentrazione, disciplina, metodo, insomma, non è un mestiere, è una passione! Poi sono stato fortunato, perché faccio comunque un mestiere che da senso a quello per cui ho studiato e a gran parte delle mie aspirazioni.

Esistono teorie che si riferiscono soprattutto al passato(dimostrate con nomi e fatti), che dividono musicalmente la nostra penisola in zone omogenee, come a dire che esiste la scuola genovese, napoletana ecc. Quanto possono influire le coordinate geografiche nella propria formazione musicale?

Difficile dirlo: credo che dipenda dal’età artistica di chi suona e dal proprio bisogno di riconoscimento e appartenenza; a 41 anni mi sonodefinitivamente affrancato dal provincialismo musicale che mi portava a preferire una proposta inglese o americana a una qualunque altra. Oggi sono molto più interessato alla musica dei paesi emergenti, a quella tradizionale della mia terra, la Sicilia, e in generale del Mediterraneo, che alla scena underground di questa o di quella città europea. Senza per questo mettermi a fare folk a tutti i costi!

Esiste un artista che è stato determinante per farti imboccare la strada della musica?

A 16 anni mi sono fatto regalare la mia prima chitarra elettrica perché volevo confrontarmi con la musica di artisti come i Joy Division o i Bauhaus. Poi è arrivato il progressive dei King Crimson, quello italiano del Banco e della Pfm, l’etno jazz degli Area. C’è stata la folgorazione sulla via di Damasco con David Sylvian e Sakamoto, con Brian Eno e la musica elettronica e ambient. Il fatto è che potrei fare una lista nutrita di influenze o comunque di curiosità e frequentazioni, ma non saprei dirti veramente di chi sia stata la colpa del fatto che oggi scrivo musica.

Chiedo costantemente una definizione di “musica progressiva”, quella con cui sono cresciuto e che solo successivamente ha assunto un nome così significativo. Dalle risposte che ottengo ho capito che non è esiste un significato unico. Qual è il tuo pensiero? Qual è il tuo rapporto con il prog targato anni ’70?

Voglio essere molto franco nel risponderti e quindi ti dico che non sono un cultore enciclopedico del genere. Diciamo che mi sono sempre lasciato affascinare da gruppi progressive non “manieristi”, né autocelebrativi.Mi sono sempre piaciuti gruppi italiani e stranieri che hanno dimostrato il coraggio di esplorare strade nuove, anche scomode, senza per forza voler ricalcare quelle di altri. In questosenso trovo ancora attuale il discorso degli Area, ma decisamente datato quello di gruppi che hanno voluto a tutti i costi appartenere ad una “scena” definita e che ancora oggi ripetono un cliché per nostalgici. La musica progressive aveva una componente vitale e di ricerca, ma è difficile ritrovarla oggi, molto raramente.

Immagino che il tuo processo creativo segua diverse strade e non sia legato a schemi rigidi. Può un’immagine statica, un quadro, un disegno, portarti alla realizzazione di un brano, non perchéesista una spinta a ricordare, ma per la mera ammirazione verso una scoperta improvvisa?

Si, sono molto sensibile alle arti visive come fonte di ispirazione, compresa la fotografia. Penso che la forza evocativa di queste forme di arte lavori su di me per analogia di struttura. C’è l’ammirazione per la composizione, che può anche essere un fatto di geometrie, di armonie, poi c’è la suggestione, la fascinazione che un’immagine può comunicarti, e che richiama la musica come un’urgenza creativa ed emotiva.

Che ruolo ha l’amicizia in una creazione di gruppo? Si può lavorare e raggiungere obiettivi con la sola professionalità?

In una creazione di gruppo,sia che la musica sia creata da tutti i componenti in forma collettiva sia come arrangiamento,non credo che siano distinguibili i momenti in cui scambi musica da quelli in cui scambi emozioni personali sulla musica e sulla vita. In questo senso non credo che sia possibile lavorare senza avere la curiosità di sapere qualcosa della vita dell’altro. Credo che questo sia vero anche per il più mercenario dei session man. Certo,poi la professionalità ti aiuta quando devi lavorare per qualcuno che esprime una musica che non ti appartiene del tutto e che non condividi artisticamente. Devo dirti che non mi è ancora capitata una situazione del genere.

Un ultima domanda. Se potessi disegnare il tuo futuro musicale nei prossimi tre anni, cosa metteresti sulla tela?

Sto lavorando molto sulla “voce” pura delmio strumento, operando non per stratificazione ma per sottrazione. Penso che sarebbe una tela con poche linee, e colori decisi, in alcuni tratti molto “materica”.



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